Álbumes de rock que este año cumplen medio siglo

A la humanidad le encantan los números redondos. Celebrar centenarios, cincuentenarios. El rock, que poco a poco se ha ido convirtiendo en un asunto de arqueólogos e historiadores, sobrevive en parte por este tipo de celebraciones, que se traducen en reediciones conmemorativas, remasterizaciones y remezclas, que en algo ayudan a que el barco de la industria del rock aún se mantenga a flote.

La llegada de 2024 remite a 1974, que no fue un año fuera de serie como, por citar alguno cercano, sí lo fue 1971. Muy pocos músicos que han marcado la pauta del desarrollo del rock grabaron en aquel año alguna de sus piezas maestras. Por poner unos pocos ejemplos, ni Led Zeppelin ni The Who publicaron nada. Los ex-Beatles tampoco se lucieron demasiado en aquel año, más allá del número 1 en listas de Whatever gets you through the night y la gran canción Number 9 dream, ambas de John Lennon.

Pero hubo suficiente material que bien vale la pena recordar medio siglo después de haber sido publicado. Como cada quien es dueño de su propia nostalgia, este es un listado arbitrario, subjetivo y marcado por gustos personales de aquella ya muy lejana juventud, más muchos aprendizajes posteriores. Aquí va esta lista de recomendaciones en orden alfabético.

David Bowie 

Diamond dogs

Este es, sin lugar a dudas, un trabajo sobresaliente, que apareció justo después de los apabullantes Ziggy Stardust and the spiders from Mars (1972) y Aladdin sane (1973), y marcó el final del período glam de David Bowie. Inspirado en la novela 1984 de George Orwell, es un disco con grandes canciones, arriesgado, en el que Bowie explora en algunos de los temas territorios que se acercan a la experimentación musical. Su aire a banda sonora se debe a que Bowie quería hacer un musical de la novela de Orwell pero la viuda del escritor no le cedió los derechos. La mayoría de los temas están unidos entre sí. Además, la temática, a mitad de camino entre la ciencia ficción distópica y la crítica social, hacen de este un álbum bastante conceptual. Es uno de los tantos álbumes memorables de David Bowie.

David Bowie, voz, guitarra, saxofón y sintetizador. Mike Garson, teclados. Herbie Flowers, bajo. Aynsley Dunbar, batería. Alan Frederick Parker, guitarra rítmica.

Can

Soon over Babaluma

Can fue un grupo adelantado a su tiempo. De la ciudad de Colonia, Alemania,  entre 1971 y 1973 grabaron los que son sus álbumes más emblemáticos, en los que cantaba Damo Suzuki, un japonés que los integrantes de Can habían encontrado cantando en una estación del metro de Munich. Suzuki se volvió Testigo de Jehová y abandonó la banda, lo que fue un reto muy grande para el (de nuevo) cuarteto. Este fue su primer álbum tras la partida de Suzuki y en él los cuatro integrantes de Can salieron más que airosos. Resulta imposible describir las sonoridades y los paisajes sonoros, los polirritmos africanos y tantos otros componentes que fluyen de los cinco temas que componen el álbum. Muchas texturas sonoras y ritmos que parecían novedosos en los años 80 y 90 ya estaban en Soon over Babaluma. Un disco que ya cumple 50 años y que sigue apuntalando hacia el futuro.
Michael Karoly, guitarra, violín y voz. Holger Czukai, bajo. Irmin Schmidt, teclados y percusión electrónica. Jaki liebezeit, batería.

Genesis
The lamb lies down on Broadway

El álbum que marcó la despedida de Peter Gabriel de Genesis es, sin duda, su obra más ambiciosa desde el punto de vista creativo. The lamb lies down of Broadway cuenta una historia bastante surrealista acerca de las aventuras de Rael, un joven portorriqueño que vive en Nueva York e intenta rescatar a su hermano John. La grabación del disco no estuvo exenta de problemas, ya que se grabó en un predio rural y Peter Gabriel, recién casado, iba a menudo a Londres a estar con su esposa que tuvo un parto complicado. Además, mientras los demás integrantes de la banda ensayaban la música, él estaba encerrado escribiendo la letra. A pesar de las dificultades que planteó su grabación, el resultado fue un disco ambicioso, muy variado, en el que conviven canciones muy sencillas con piezas experimentales muy avanzadas. Las canciones y las piezas instrumentales y ambientales se encadenan una tras otra hasta donde lo permiten la duración de las cuatro caras del vinilo. Un álbum inquietante y fascinante a la vez.

Peter Gabriel, voz y flauta. Steve Hackett, guitarras. Tony Banks, piano acústico y eléctrico, mellotron, órgano y sintetizadores. Mike Rutherford, bajo y guitarra acústica de 12 cuerdas. Phil Collins, batería, percusión y voces. Músico invitado, Brian Eno, efectos de voz denominados “enosificación”.

Gong
You

Uno de los grupos más particulares del rock británico es Gong, que en realidad es una banda anglofrancofidjiaustraliana. Daevid Allen, su creador, es australiano y por ella han desfilado músicos británicos, varios franceses e incluso de Fidji (o Fiyi). De la música de Gong puede decirse que es psicodelia, rock espacial y, por ende, también que es progresiva, por no hablar de una de sus ramificaciones que en 1975 derivó en el jazz-rock. You es la culminación de la llamada trilogía Radio Gnome Invisible, que componen también Flying teapot y Angel’s egg, ambos de 1973. En estos tres álbumes se describe lo que sucede en un planeta llamado Gong. You, el más elaborado de los tres, plantea un viaje espacial que también puede verse como una exploración del interior de las personas, con amplios pasajes en los que las repeticiones con leves variaciones invitan a pensar en los mantras. En los créditos de los discos Daevid Allen solía ponerles extraños seudónimos a los integrantes del grupo.

Dingo Virgin (Daevid Allen), voces y guitarra. Shakti Yoni (Gilli Smyth), poemas y space whisper (Susurradora espacial). Mireille Bauer, percusión. Hi T Moonweed (Tim Blake), sintetizadores. Bambaloni Yoni (Miquette Giraudy), voces y coros. Steve Hillage, guitarra líder. Mike Howlett, bajo. Bloomdido Glad de Grass (Didier Malherbe), instrumentos de viento y voz. Benoit Moerlen, percusión. Pierre Moerlen, batería y percusión.

Jetrhro Tull
War child

Se trata de un buen álbum, un tanto opacado por sus antecesores. Después de la seguidilla Aqualung, Living in the past y el monumental Thick as a brick, A passion play de 1973 y War child lucen “de segundo orden”, lo cual no significa que sean trabajos indignos de atención. De hecho, en War child aparece la canción Bungle in the jungle, un gran éxito de la radio, así como la hermosísima Skating away (On the thin ice of a new day), que también se dejó escuchar en las emisoras. Pero también hay otros temas notables como The third hoorah, la muy breve Only solitaire y el tema que le da nombre al álbum. Ian Anderson, el líder de la banda, conocido como guitarrista y flautista, en algunos temas incursiona con el saxofón.

Ian Anderson, voz, guitarra acústica, flauta y saxofones. Martin Barre, guitarra. John Evan, teclados. Jeffrey Hammond-Hammond, bajo. Barriemore Barlow, batería y percusión.

Elton John
Caribou

Vuelve y juega. Tras el monumental álbum doble Goodbye yellow brick road de 1973, Caribou es, sin duda, un álbum menor. La verdad sea dicha, algunas de sus canciones son más bien anodinas. Parte de sus problemas se debe a que grabó en apenas diez días, en la víspera de una gira por el Lejano Oriente y hay quienes señalan que la grabación, la interpretación musical, la producción y la misma portada salieron mal. Sin embargo, este álbum fue un gran éxito comercial y trae dos canciones definitivas del legado de Elton John: la balada Don´t let the sun goes down on me y la muy rockera y algo controvertida The bitch is back, que algunas emisoras de Estados Unidos se negaron a transmitir por utilizar la palabra puta. La gran curiosidad del álbum es Solar prestige a gammon, una canción cuya letra no significa nada, aunque aparecen por ahí sueltas algunas palabras en inglés.

Elton John, voz y piano acústico. Davey Johnstone, guitarras y mandolina. Dee Murray, bajo. Nigel Olsson, batería. Ray Cooper, percusión. David Hentschel, sintetizador y mellotron.

King Crimson
Red

King Crimson es, sin duda, uno de los grupos más prolíficos y polifacéticos de la historia del rock. Por la banda, que creó en 1969 el guitarrista británico Robert Fripp a partir de la formación Giles, Giles y Fripp, es considerada como la inventora del rock progresivo gracias a su álbum In the court of the Crimson King, de 1969. Red es un álbum denso, muy sólido en sus conjunto, en el que predominan las guitarras distorsionadas. Con el paso de los años ha sido considerado como uno de los grandes álbumes de los años 70. Lo curioso es que Red apareció 15 días después de que Robert Fripp anunció la disolución de la banda, que reaparecería en 1981 con una formación totalmente distinta.

Robert Fripp, guitarra y mellotron. John Wetton, bajo y voz. Bill Bruford, batería y percusión. Músicos invitados: David Cross, violin. Mel Collins, saxofón soprano. Ian McDonald, saxofón contralto. Robin Miller, oboe. Marc Charig, cornetín.

Kraftwerk
Autobahn

En 1974 esta agrupación de Düsseldorf, Alemania, orientada a la experimentación electrónica y la improvisación, lanzó la canción que le da el título al álbum. Un tema de 22 minutos y medio en el que incursionaron en el pop electrónico con su himno a la red de autopistas de Alemania. El tema completo tienen muchos pasajes experimentales, así como el resto del material del álbum. Pero en la radio circuló una versión de tres minutos que (aún no se sabía), marcaría el año cero de gran cantidad de géneros asociados a la música electrónica que hoy oímos a toda hora por todo lado. Hay quienes dicen, con bastante razón, que Kraftwerk fue más influyente que los Beatles. Porque los cuatro siguientes álbumes de la banda fueron determinantes para el nacimiento del rap, el house y el techno y, por esa vía, de decenas de géneros, entre ellos el trap y el reguetón.

Ralf Hütter, voz e instrumentos electrónicos. Florian Schneider, voz e instrumentos electrónicos. Wolfgang Flür, percusión. Kaus Röder, violín y guitarra.

The Rolling Stones
It’s only rock n roll

Un muy buen álbum que se editó bajo la sombra de la poderosísima tetralogía stoniana que componen Beggar’s Banquet, Let it bleed, Sticky fingers y Exile on Main Street. Al lado de estas cuatro joyas supremas de la historia del rock, Goat head soup (de 1973) y este álbum pasan un tanto de agache. Y en el caso de It’s only rock n roll eso es un tanto injusto, ya que su contenido es muy atractivo. Temas muy rockeros (If you can’t rock me, Ain’t to proud to beg), baladas (Till the next goodbye, Time waits for no one, If you really want to ve my friend), mucho de blues y una incursión en el funk en la notable Fingerprint file. La canción que le da título al álbum es uno de los grandes himnos de la historia del rock. Un himno alegre y desparpajado cuyo coro es una declaración de principios que comparte media humanidad: “Es sólo rock’n roll pero me gusta”.

Mick Jagger, voz. Keith Richard, guitarra. Mick Taylor, guitarra. Bill Wyman, bajo. Charlie Watts, batería.

Roxy Music
Country life

El cuarto álbum en estudio de la banda británica Roxy Music es uno de sus trabajos más consistentes. Esta agrupación, cuya figura más visible fue su cantante Bryan Ferry, navegó por las aguas del glam de los años 70 y el art-rock. Country life llegó al tercer lugar en el listado de éxitos de Gran Bretaña y fue el primer álbum de Roxy Music que logro instalarse en el top 40 de las listas de Estados Unidos. Su portada, en la que aparecen dos modelos prácticamente desnudas, provocó problemas en algunos países, donde se eliminaron a las damas en cuestión. Este es un álbum muy variado, con un gran número de grandes canciones, muchas de ellas pensadas para exaltar los atributos de Brian Ferry como cantante con pretensiones de crooner a lo Frank Sinatra y Tony Bennet. En este álbum están AlI want is you, Casanova, Bitter-sweet, The thrill of it all, Prairie rose… Un álbum en el que bien vale la pena sumergirse, ya sea para conocerlo o para volver a disfrutarlo.

Bryan Ferry, voz, teclados y armónica. Phil Manzanera, guitarra. Paul Thomson, batería. Andy Mackay, saxofón y oboe. Eddy Jobson, teclados, sintetizador e instrumentos de cuerda frotada. John Gustafsson, bajo.

Sui Generis
Pequeñas anécdotas sobre las instituciones

¿Instituciones o Pequeñas anécdotas sobre las instituciones? Cualquiera de los dos títulos es correcto. El primero, el que le querían poner y como ha aparecido en algunas reediciones posteriores. El segundo, el que le pusieron por miedo a la censura. En este, el tercer álbum de Sui Generis, el grupo conformado por Charly García y Nito Mestre, al que se le sumaron Rinaldo Rafanelli y Juan Rodríguez, dio un gran salto. Pasó de las canciones más que todo acústicas y orientadas al folk de sus dos álbumes anteriores a unas atmósferas más densas, temas más elaborados y una mucho mayor presencia de los teclados, en la que se nota la influencia del rock progresivo que brillaba en aquella época en Europa y Estados Unidos. Además, las letras del grupo adquirieron una carga política y social mucho más fuerte, y atacaban a instituciones como la familia, la educación, la represión militar, la censura y la educación, en los convulsionados tiempos del gobierno de María Estela Martínez de Perón y José López Rega, su ministro de Bienestar Social, creador de la Alianza Anticomunista Argentina (Triple A), un grupo terrorista paramilitar. Cuando el álbum estaba a punto de terminarse de grabar se cambiaron algunos textos de las canciones Instituciones, Las increíbles aventuras del Señor Tijeras, Música de fondo para cualquier fiesta animada y Para quién canto yo entonces. Botas locas y Juan Represión fueron eliminadas y salieron a la luz varios años después. Esos cambios en las letras de esas canciones y la supresión de Juan Represión le hicieron un gran favor al álbum, ya que esos textos que se cambiaron eran bastante panfletarios y obvios. Las metáforas de la versión definitiva le aportaron poesía y mucha más altura al mensaje.

Charly García, piano, teclados, sintetizadores y voz. Nito Mestre, voz, guitarra acústica y flauta traversa. Rinaldo Rafanelli, bajo, guitarras y voz. Juan Rodríguez, batería. Músicos invitados: Carlos Cutaia, órgano. León Gieco, armónica. María Rosa Yorio, coros. David Lebón, guitarra. Óscar Moro, batería. Jorge Pinchevski, violín. Billy Bond, coros.

Yes
Relayer

Podría decirse que Yes es el grupo de rock progresivo por excelencia. Reconocido por sus aciertos y también por algunos excesos, ha dejado álbumes supremos como Fragile, Close to the edge y el álbum triple en vivo Yessongs. En 1974 su teclista Rick Wakeman se retiró del grupo porque estaba desacuerdo por el resultado álbum doble Tales from topographic oceans y, gracias al éxito de su álbum Las seis esposas de Enrique VIII, decidió seguir una carrera como solista, aunque en 1977 regresaría de nuevo. Para el siguiente álbum los otros cuatro integrantes de la banda reclutaron a Patrick Moraz, teclista suizo de gran destreza, quien se unió a Jon Anderson, Chris Squire, Steve Howe y Alan White. El álbum lo abre la suite épica The gates of dellirium, inspirada en Guerra y paz de León Tolstoi, que ocupa toda la cara A del vinilo y que es una de las piezas cumbres de Yes. El álbum lo completan Sound chaser, un tema muy enérgico cercano al jazz-rock, y la mucho más reposada To be over. Uno de los grandes álbumes de Yes, un tanto infravalorado por no haber sido grabado por la formación clásica de la banda.

Jon Anderson, voz. Steve Howe, guitarra. Chris Squire, bajo. Patrick Moraz, teclados. Alan White, batería.